Es ist ein Auftakt, der nicht leise beginnt. Prachenskys Leinwände schlagen auf wie Akkorde, sie wirbeln, sie spritzen, sie pulsieren. Titel wie „Korsika Bebop“, „Poseidon Stomp“ oder „Swing de Provence“ klingen nicht zufällig nach Musik – sie sind Kompositionen in Farbe. Das Rot ist kein dekoratives Element, es ist Haltung, Energie, Bewegung.

Von der frühen Gouache „Rouge sur Noir“ aus dem Jahr 1958 bis zu den großformatigen Arbeiten der 2000er-Jahre spannt sich ein Bogen, der die Konsequenz eines der prägenden Vertreter der österreichischen Nachkriegsabstraktion sichtbar macht. Prachensky malt nicht Landschaft, nicht Figur, nicht Narration – er malt Tempo. Seine Bilder entstehen aus der Geste, aus dem Schwung des Arms, aus einem inneren Takt, der sich unmittelbar auf die Leinwand überträgt.

Gerade in der konzentrierten Gegenüberstellung verschiedener Werkphasen wird deutlich, wie klar seine Bildsprache über Jahrzehnte hinweg blieb. Die Tuschearbeiten der 1970er-Jahre besitzen eine fast kalligrafische Präzision, während die späteren Leinwände in vibrierender Farbdichte geradezu physisch erfahrbar werden. Prachensky ist hier nicht nur präsent – er ist der rote Faden dieser Ausstellung in der Wiener Innenstadt.

Eingebettet ist diese malerische Intensität in eine Auswahl musealer Positionen, die der Präsentation zusätzliche kunsthistorische Tiefe verleiht. Mit Maria Lassnig und ihrem eindringlichen „Augapfel“ aus dem Jahr 2010 tritt die radikale Selbstbefragung der Figur in Dialog mit der gestischen Abstraktion. Lassnigs Malerei bleibt auch in ihren späten Jahren eine kompromisslose Untersuchung des Körpers als Empfindungsraum.

Das expressive Aquarell „Dahlien und Fuchsschwanz“ von Emil Nolde bringt eine andere, frühere Form der Farbgewalt ins Spiel. Seine Blüten leuchten nicht nur – sie brennen. Daneben entfaltet Sam Francis in seiner Arbeit von 1979 jene internationale Dimension der Abstraktion, die Farbe als Raum und Explosion zugleich versteht.

Skulptur und Design erweitern den Blick zusätzlich. Die plastische Verdichtung bei Joannis Avramidis oder die klare Formensprache eines Josef Hoffmann erinnern daran, dass die Wiener Moderne nie eindimensional war. Malerei, Objekt, Raum – alles steht in Beziehung.

Gerade diese kuratierte Spannung zwischen expressiver Geste, moderner Klassik und Wiener Sammlungstradition macht die Ausstellung der Galerie bei der Albertina – Zetter so überzeugend. Sie ist keine bloße Aneinanderreihung von Namen, sondern ein bewusst gesetzter Dialog zwischen Generationen und Positionen.

Die Ausstellung „Neuheiten im Frühling & Markus Prachensky“ in Wien zeigt den Frühling nicht als Jahreszeit, sondern als Energiezustand. Farbe wird hier zur Sprache, zur Bewegung, zur Haltung.

Und vielleicht ist es genau diese Mischung aus Intensität und historischer Verankerung, die diesen Wiener Kunstfrühling 2026 so besonders macht: ein Raum, in dem Rot nicht nur Farbe ist, sondern Ereignis.