In „Flower Festival: Feast of Santa Anita“ erhebt Rivera eine Szene mexikanischer Festkultur zu einer monumentalen Komposition. Ein Meer aus weißen Calla-Lilien beherrscht das Bild, getragen und umgeben von Figuren, deren Körper beinahe hinter der überwältigenden Pracht der Blumen verschwinden. Rivera verbindet hier eine klare, kraftvolle Formensprache mit jener tiefen Hinwendung zur mexikanischen Kultur und Bevölkerung, die sein Werk international unverwechselbar machte.

Für das MoMA überträgt Jon Bausor, Bühnenbildner und Co-Kostümbildner der Oper, Elemente seiner szenografischen Welt in den Ausstellungsraum. Seine Gestaltung ist von den Entwürfen für die Oper ebenso inspiriert wie von den Werken Kahlos und Riveras. Damit entsteht keine konventionelle Sammlungspräsentation, sondern ein Raum zwischen Museum und Bühne, in dem Malerei, Erinnerung und Theater aufeinandertreffen.

Die Ausstellung versammelt sechs Gemälde und eine Zeichnung von Frida Kahlo sowie mehr als ein Dutzend Arbeiten von Diego Rivera aus der Sammlung des MoMA. Fotografische Porträts von Lola Álvarez Bravo und Leo Matiz erweitern den Blick auf zwei Künstler, deren gemeinsame Geschichte längst selbst Teil der Kunstgeschichte geworden ist. Ein 1946 in Mexiko entstandenes Porträt von Leo Matiz zeigt Kahlo und Rivera Seite an Seite – nicht als Mythos, sondern als zwei Menschen, deren Leben und künstlerische Wege über Jahrzehnte unauflöslich miteinander verbunden waren.

Beide Künstler besaßen bereits zu Lebzeiten eine besondere Beziehung zum Museum of Modern Art. Werke wie Kahlos „Self-Portrait with Cropped Hair“ von 1940 und „Fulang-Chang and I“ von 1937 sowie Riveras „Flower Festival: Feast of Santa Anita“ und „Agrarian Leader Zapata“, beide aus dem Jahr 1931, gehören seit Langem zu den prägenden Werken der Sammlung.

Eine andere Seite seines Schaffens zeigt „Agrarian Leader Zapata“. Emiliano Zapata, eine der zentralen Figuren der Mexikanischen Revolution, erscheint als entschlossener Anführer der Landbevölkerung. Das Werk verdichtet Riveras politisches und gesellschaftliches Engagement zu einer eindringlichen Bildsprache und erinnert daran, dass seine internationale Bedeutung weit über seine berühmten Wandgemälde hinausreicht.

Frida Kahlo wiederum machte die eigene Existenz zu einem der großen Themen der Kunst des 20. Jahrhunderts. In „Fulang-Chang and I“ begegnet sie dem Betrachter gemeinsam mit ihrem Klammeraffen. Das Werk wird durch einen später hinzugefügten bemalten Spiegelrahmen erweitert: Bild und Spiegel stehen nebeneinander und beziehen den Betrachter unmittelbar in die Komposition ein. Das Selbstporträt wird damit zu einer Begegnung zwischen gemalter und realer Welt – ein Gedanke, der in der szenografischen Inszenierung von „Frida and Diego: The Last Dream“ eine überraschende neue Aktualität erhält.

Besonders eindringlich führt „My Grandparents, My Parents, and I“ von 1936 zu Kahlos eigener Herkunft zurück. Wie ein genealogisches Geflecht verbinden rote Linien Generationen und Kontinente miteinander. Über dem Landschaftsraum erscheinen ihre Vorfahren, während Kahlo sich selbst als Kind in den Mittelpunkt ihrer Familiengeschichte setzt. Herkunft wird hier nicht zur bloßen Erinnerung, sondern zu einem sichtbaren Geflecht aus Körper, Familie und Identität.

Vielleicht liegt gerade darin die besondere Kraft dieser Ausstellung. Der rote Baum, der sich durch die Inszenierung im MoMA ausbreitet, findet eine beinahe poetische Entsprechung in den Linien, Wurzeln und familiären Verbindungen, die Kahlos Bilder durchziehen. Es ist eine visuelle Assoziation, die „Frida and Diego: The Last Dream“ wie ein leiser roter Faden begleitet: Menschen verschwinden, Erinnerungen bleiben – und Kunst vermag Beziehungen über Generationen und selbst über den Tod hinaus lebendig zu halten.

„Sieh, wenn ich dich geliebt habe, dann wegen deiner Haare. Jetzt, wo du kahlköpfig bist, liebe ich dich nicht mehr.“

Frida Kahlo zeigt sich in diesem Selbstporträt auf einem gelben Stuhl, gekleidet in einen dunklen Herrenanzug und schwarze Damenschuhe. Damit bricht sie bewusst mit traditionellen Vorstellungen von Weiblichkeit und Geschlechterrollen. In der Hand hält sie die Schere, mit der sie ihr langes Haar abgeschnitten hat. Die abgeschnittenen Haarsträhnen liegen über den gesamten Raum verstreut – ein kraftvolles Bild von Trennung, Selbstbestimmung und persönlicher Veränderung.

Frida Kahlo, Selbstbildnis mit abgeschnittenem Haar, 1940

Aus heutiger Sicht wirkt das 1940 entstandene Selbstporträt erstaunlich modern. Frida Kahlo bricht bewusst mit traditionellen Vorstellungen von Weiblichkeit und Geschlechterrollen. In einer Zeit, in der Geschlecht, Identität und Selbstbestimmung intensiv diskutiert werden, lässt sich das Bild auch als frühe Auseinandersetzung mit Geschlechterrollen und der Freiheit verstehen, sich jenseits gesellschaftlicher Erwartungen darzustellen.

Kuratiert wird „Frida and Diego: The Last Dream“ von Beverly Adams, Estrellita Brodsky Curator of Latin American Art, und Jon Bausor gemeinsam mit Caitlin Chaisson und Rachel Remick. Die Ausstellung entsteht unter Mitwirkung der Metropolitan Opera. Die Oper „El Último Sueño de Frida y Diego“ wird von Deborah Colker inszeniert und choreografiert. Begleitende öffentliche Programme von MoMA und Metropolitan Opera vertiefen den Dialog zwischen den beiden Kunstformen.

Mit der Verbindung von Meisterwerken Frida Kahlos und Diego Riveras, historischer Fotografie, zeitgenössischer Szenografie und Oper eröffnet das Museum of Modern Art einen neuen Blick auf zwei der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts. „Frida and Diego: The Last Dream“ zeigt in New York, wie ihre Kunst weit über die eigene Epoche hinauswirkt – und wie aus Malerei, Bühne und Erinnerung eine Geschichte entstehen kann, die noch immer nicht zu Ende erzählt ist.